Silvestro Lega - Un dopo pranzo (il Pergolato) - Pinacoteca di Brera, Milano

Questa straordinaria tela di Silvestro Lega (Modigliana 1826 - Firenze 1895) è nota con due diversi titoli ‘Un dopo pranzo’ oppure ‘Il pergolato’. Guardatela bene sono davvero perfetti entrambi. Nelle giornate troppo calde di questa strana estate è un’immagine alla quale penso spessissimo: la terrazza di una casa affacciata sulla magnifica campagna toscana, all’ombra di un fresco pergolato che ripara dalla luce meridiana. Siamo a Piagentina, alla periferia di Firenze, verso la campagna (una campagna che oggi non esiste più, inghiottita dalla espansione della città), nella casa della famiglia Batelli dove Lega visse i pochi anni davvero sereni della sua complicata vita, legato a Virginia, la figlia di Spirito Batelli che morirà giovanissima di tisi. In un caldo pomeriggio d’estate tre donne e una bambina siedono all’ombra di un pergolato, in attesa del caffè del dopo pranzo che sta per essere servito nelle tazzine già pronte sul vassoio appoggiato sul tavolino di pietra.

Silvestro Lega, Un dopo pranzo (Il Pergolato) , 1868, Milano - Pinacoteca di Brera 

La campagna circostante, nella quale sembra di sentire il canto delle cicale è abbagliata dal sole, la luce intensa rende quasi bianco il cielo e avvolge gli alberi in lontananza in una nebulosa calura estiva, la cameriera arriva lenta con la caffettiera che vorremmo immaginare d’argento. Le ombre si allungano sul pavimento lastricato del cortile color ocra del quale Lega dipinge mirabilmente la struttura vagamente sconnessa, l’irregolarità delle singole mattonelle consumate dal tempo.

E’ una di quelle opere in cui ci si può perdere, inseguendo il filo di un racconto immaginario, tanta è la potenza evocativa di questo quadro. Si sente il canto delle cicale, appunto, si avverte il conforto offerto dall’ombra creata dai rami di vite del pergolato, il fresco del muretto sul quale siedono le signore, si tenta di immaginare le chiacchiere del dopopranzo che si sono prolungate al punto che le ombre sono già lunghe, l’attesa rilassata di un pigro pomeriggio estivo. E’ una scena di vita quotidiana, alla quale Lega regala un’atmosfera lirica e quasi senza tempo, se non fosse per gli abiti indossati dalle donne che la ancorano ad un preciso momento storico. 

Silvestro Lega, Un dopo pranzo (Il Pergolato) - dettaglio abiti, 1868, Milano - Pinacoteca di Brera

La tela è dominata dai colori caldi, tonalità ocra, beige, giallo chiaro che si illuminano di bagliori bianchi, il grembiale della cameriera, i boccioli dei fiori nei vasi di coccio e poi il rosa leggerissimo e quasi trasparente dell’abito della bambina. Il racconto di un attimo di vita, reso con una pittura lieve, con tocchi di pennello che evocano – non rappresentano, evocano - le foglie, i piccoli fiori nei vasi, le tazzine, le pieghe e la consistenza frusciante degli abiti, i ciuffi di erba che crescono ribelli tra le mattonelline del pavimento. E’ la pittura di macchia nel suo momento di massimo splendore, chiazze di colore giustapposte e forti contrasti luce e ombra. Una leggerezza che non ha niente dell’impermanenza e della mobilità della pittura degli impressionisti. Il dipinto di Lega vibra di luce, ma non è definito dalla luce. Ha una struttura prospettica e geometrica solidissima, anche se ben dissimulata: il reticolo di tronchi sottili che struttura il pergolato, le rigide orizzontali del muretto accanto al quale sfila lenta la cameriera e del piccolo tavolo in pietra sullo sfondo, la tessitura di ombre che si allungano sulla terrazza e ne scandiscono la profondità. Come molti storici dell’arte hanno evidenziato (Carlo Sisi tra tutti) si avverte un riferimento forte alla pittura del Quattrocento toscano: il rigoroso impianto prospettico, appunto, la cameriera che incede lenta con il suo piccolo vassoio e l’abito rosa antico, un tronco di cono scanalato da pieghe profonde, è quasi una dama Pierfrancescana avvolta in un silenzio solenne. 

Silvestro Lega, Un dopo pranzo (Il Pergolato)  - dettaglio cameriera, 1868, Milano - Pinacoteca di Brera

E poi ci sono i particolari: i vasi di coccio colorati di boccioli bianchi e rossi posti sopra il muretto sono un tema ricorrente della decorazione di giardini e muri di cinta nella pittura toscana, li troviamo alla Cappella Brancacci dipinta da Masaccio e poi da Filippino Lippi, nei dipinti di Beato Angelico e in Benozzo Gozzoli solo per fare qualche nome. E c’è chi ha osservato che anche l’attenzione per gli oggetti della vita quotidiana, le tazzine, la caffettiera ricorda la precisione descrittiva degli interni – molto domestici - nei quali hanno preso vita innumerevoli Annunciazioni, nascite di Maria e mille episodi delle vite dei Santi della pittura del Quattrocento. 

E poi. E poi Piagentina era un rifugio dalle delusioni, era un modo di sfuggire ai tanti sogni ormai infranti. Lega aveva partecipato come volontario alle guerre di indipendenza nel 1848 e nel '59 ed era stato un fervente mazziniano. L’unità d’Italia sotto i Savoia e il trasferimento della capitale a Firenze erano cocenti delusioni. Nel 1867 sotto la direzione di Giovanni Poggi - che aveva il compito di trasformare Firenze in una moderna capitale - erano state abbattute le mura medioevali che ancora si trovavano in città. Nella terrazza di Piagentina si aspetta con calma il caffè, ma fuori c’è un mondo che sta correndo verso nuove direzioni. Firenze stava rapidamente perdendo la sua identità di gioiello medioevale e rinascimentale per trasformarsi in una sorta di piccola Parigi nella quale grandi viali e piazze spaziose scimmiottavano l’aspetto che Haussmann stava dando alla capitale francese. Il recupero della pittura del Quattrocento è quindi anche una questione ideologica, non solo formale, è il modo per rivendicare l’appartenenza ad una matrice culturale diversa. E Piagentina diventa un’oasi di pace, di silenzio e di ritmi lenti ancora lontana dalla euforia inutile della città che diventava metropoli. E trovo attualissima questa esigenza di Lega: affrontare la difficoltà del vivere cercando un centro tranquillo al quale ancorare la propria vita. Troverei perfetto poter stare adesso al fresco del pergolato, in un pomeriggio d’estate.

Un dopo pranzo alla Pinacoteca di Brera

Flora di Stabiae - Museo Archeologico Nazionale, Napoli

E’ arrivata la Primavera, ci vorrebbe un po’ di leggerezza ma non è affatto il momento giusto.

Tanti sono gli artisti che hanno celebrato l’arrivo di questa stagione con immagini sontuose di prati fioriti, ragazze a passeggio con delicati ombrellini parasole, feste pagane di dei circondati da ghirlande di fiori e amorini dispettosi. Una per tutte: la straordinaria Flora di Sandro Botticelli, biondissima, con un sorriso dolce ed un elegante abito di tulle cosparso di fiori che hanno i colori dei confetti. Entra nel mondo con passo lieve e lo inonda di fiori e petali leggeri. 

Questa primavera 2022 però non invita a pensieri lievi, ho preferito l’immagine di questa ragazza di quasi 2000 anni fa. 

Flora da Stabiae, prima metà I secolo d.C. - Napoli - Museo Archeologico Nazionale inv. 8834

Sebbene ci appaia modernissima con i capelli annodati in uno chignon improvvisato, come se li avesse appuntati di fretta, si tratta di un affresco che proviene da una villa romana di Stabia, la città che con Pompei e Ercolano fu distrutta dalla eruzione del Vesuvio del 79 d.C.. Sullo sfondo di un luminoso color verde la vediamo di spalle, con il viso appena rivolto di profilo, intenta a cogliere i fiori con un gesto elegante, da ragazza copertina. Fiori che poi sistema in una sorta di cesto di vimini intrecciato (che i greci chiamavano kalathos) che tiene appoggiato con disinvoltura sul braccio. Non c’è alcun riferimento spaziale, eppure lei non fluttua nel vuoto, vediamo che poggia solida con un piede su un’immaginaria linea di posa, mentre con l’altro, piegato, accenna un passo e procede con leggerezza all’interno di un giardino che pensiamo infinitamente grande. Indossa un chitone giallo e una spallina le scivola mollemente sul braccio, sopra il chitone una tunica leggera, quasi un velo nei toni dell’azzurro e del bianco che si scompiglia leggero seguendo il ritmo del suo passo. Ha un bracciale importante, un’armilla e un piccolo diadema dorato forse guarnito di fiori intrecciato tra i capelli. 

Flora da Stabiae, prima metà I secolo d.C. - Napoli - Museo Archeologico Nazionale inv. 8834 - particolare    

Straordinaria la tecnica di questo artista sconosciuto che ha realizzato con pochi colori un’immagine così elegante, quasi diafana, indimenticabile: il giallo oro del chitone, la trasparenza del velo, i delicati petali dei fiori – appena accennati con tocchi di pennello, eppure sembra di avvertirne la freschezza e il profumo – i riccioli scomposti dello chignon sono solo alcuni dei molti dettagli incantevoli di questa immagine.

L’affresco, che oggi si trova al Museo Archeologico Nazionale di Napoli, fu rinvenuto nel 1759 in un cubicolo, un piccolo ambiente, della cosiddetta Villa di Arianna a Stabia. E’ datato intorno alla prima metà del I secolo d.C. nel periodo del ‘terzo stile pompeiano’, nel quale gli effetti prospettici e le architetture dipinte che avevano caratterizzato lo stile precedente lasciano spazio ad ampie campiture di colore luminoso, prive di effetti illusionistici nelle quali trovano spazio paesaggi, storie del mito o figure eleganti come questa. E’ nota con il nome di ‘Primavera’ o ‘Flora’, ma di fatto non sappiamo di preciso chi rappresenti, non ha attributi iconografici chiari, niente che ne consenta un’identificazione esatta: immagine idealizzata della Primavera, Flora oppure una Kore o ancora una delle Ore che attraversa lieve questo immenso prato, inesorabile come il trascorrere del tempo; comunque una dea simbolo di eleganza e femminilità. Perfetta per segnare l’inizio di questa stagione, tanto più adesso: perché ci volge le spalle, come se si rifiutasse di guardare il mondo. E non si può che darle ragione.

 Gli affreschi al Museo Archelogico Nazione di Napoli

Piero della Francesca - La Resurrezione - Museo Civico, Sansepolcro (Arezzo)

Non c’è in tutta la storia della pittura occidentale un’immagine che più di questa evochi la forza di un Uomo, di un Re, di un Pensiero. Un Vincitore. Nessun ‘potente della terra’ è mai stato protagonista di un dipinto che come questo attragga magneticamente. Il Gesù Risorto di Piero della Francesca (Borgo San Sepolcro 1420 ca. – 1492) non ha bisogno di scettri, di mantelli trapunti di oro né di corazze lucenti per convincere chi guarda del fatto che si tratta di un Vincitore. Il suo corpo scolpito di muscoli elegante come quello di un atleta classico è appena offeso dalle ferite della Crocifissione, ricoperto da una tunica rosa pallido che la sua mano sinistra trattiene con energia formando una cascata di pieghe dense di colore. La mano destra sorregge un vessillo semplicissimo, una croce rossa in campo bianco, sulla sua testa poggia una sottile aureola dorata ma non è certo questa che crea l’aurea di regale potenza di Gesù. E’ la sua presenza fisica e trascendente al tempo stesso, la forza vitale con la quale il piede sinistro appoggia sul sarcofago, saldissimo, facendoci sentire la presenza qui e ora di Cristo mentre il suo sguardo ci oltrepassa e va in un oltre che non possiamo immaginare. Uno sguardo intenso, concentrato, fermo, severo e rassicurante al tempo stesso, quello di un Dio che può proteggerci da tutto, di un filosofo di infinita saggezza. Ai suoi piedi, addormentati davanti al sarcofago, quattro soldati ricoperti di pesanti armature sembrano niente a confronto dell’Uomo bellissimo e grande che li sovrasta. Quattro figurine prive di forza nonostante le armi e le corazze.

Piero della Francesca , La Resurrezione, 1467 (?), Sansepolcro - Museo Civico 

Alle spalle di Gesù si distende quello che si intuisce essere un magnifico paesaggio collineare – purtroppo in condizioni non ottimali, nonostante il restauro del 2018 – il cielo terso illuminato dalla luce quasi argentea del primo mattino, il digradare dolce delle colline punteggiate di verdi cespugli, la torre svettante di un piccolo borgo. Alla destra di Cristo gli alberi sono ancora spogli e scheletriti dall’inverno, alla sua sinistra la natura è rinata. E’ la valle del Tevere, lungo la quale sorge Borgo San Sepolcro (oggi semplicemente Sansepolcro) paese natale di Piero della Francesca al confine tra Umbria e Toscana. La leggenda vuole che la sua fondazione sia legata al culto delle reliquie del Santo Sepolcro riportate dalla Terra Santa da due pellegrini, Egidio e Arcano. E infatti questo straordinario affresco non è stato dipinto per essere collocato in un luogo sacro ma per un edificio di uso civile a celebrazione del Borgo San Sepolcro che aveva in Gesù risorto il suo invincibile protettore.

La costruzione del dipinto, come sempre in Piero, è raffinatissima. I colori sono intrisi di luce, poche tinte alternate tra loro con un ritmo quasi matematico – le armature dei soldati sono combinazioni diverse di verde viola marrone e rosso – la composizione è una piramide che ha Gesù al vertice e alla base i soldati, ognuno dei quali ha una diversa collocazione nello spazio e contribuisce a definirne la profondità. I soldati sprofondati nel sonno sono disposti su due piani diversi, le loro figure si aprono a ventaglio lasciando intuire a chi guarda la fisicità dello spazio che occupano.

Piero della Francesca , La Resurrezione, 1467 (?), Sansepolcro - Museo Civico - particolare    dei soldati

Piero della Francesca non fu solo pittore ma anche grande matematico e studioso di geometria (ci ha lasciato due trattati sulla teoria della prospettiva De Prospectiva Pingendi e il Libellus de quinque corporibus regolaribus) e gli studi matematici restano a fondamento di tutta la sua arte pittorica. Parlare di ‘astrazione’ per la pittura di Piero mi sembra fortemente anacronistico anche se la sua essenzialità piacque molto agli astrattisti del primo Novecento. C’è piuttosto in Piero un amore per la semplificazione delle forme, per la ricerca della geometria nella natura: è la sua inclinazione da matematico che lo porta a tracciare forme pure, tutto nella sua pittura è monumentale e sembra come sospeso nel tempo e per questo immobile ed eterno.

E’ uno dei pittori più affascinanti – e complessi – del Rinascimento italiano e forse di tutta la storia della pittura, paragonabile per certi aspetti a Vermeer, ugualmente essenziale, monumentale anche nei quadri di dimensioni piccolissime, eterno.

Poche sono le notizie certe sulla sua vita, scarsissimi anche i dati sulla sua formazione anche se tutti gli studiosi concordano su un periodo di apprendistato con Domenico Veneziano.

Piero della Francesca , La Resurrezione, 1467 (?), Sansepolcro - Museo Civico - particolare  

La tradizione vuole che il soldato con i capelli scuri e ricci e la testa appoggiata al sarcofago sia un autoritratto di Piero.

Da ultimo: auguri di cuore per una Buona Pasqua, nonostante i mesi difficili che stiamo vivendo.